Edição #199

Vivi Rosa (Cascavel, 1981) trabalha no encontro entre corpo, matéria e presença, onde o gesto revela o que quase passa despercebido. Escultura, instalação, vídeo-arte, foto-performance: sua prática percorre esses territórios sempre guiada por uma escuta atenta das dinâmicas silenciosas que atravessam o comportamento humano.

Autodidata, desenvolveu uma massa autoral que sustenta obras de grande escala e imprime fisicalidade viva ao espaço. No processo dela, o descartado muda de estado — ganha tempo, densidade, intenção. Deixa de ser resto pra se tornar linguagem.

O trabalho nasce do toque: pequenos gestos, encontros de olhar, movimentos mínimos. São esses fragmentos que interessam e que, nas mãos dela, se expandem em formas que falam de vínculo, tensão e permanência.

Atualmente, vive e trabalha em São Paulo e recentemente foi finalista do Craft Prize 2026 (@loewefoundation), além de participar da Bienal Intercontinental 2026 (@intercontinentalbiennial) e fundar a @casaondina — @sp_arte (08–12/04).

A matéria nunca chega neutra. Ela vem com peso, limites e um comportamento que não depende de mim. Antes de qualquer intervenção, ela já tem um caráter próprio, algo que já está lá.

O que aparece nesse início não é a forma, mas uma direção. A matéria impõe condições, estabelece um campo, e o trabalho começa nessa negociação.

O que me move é mudar o valor das coisas. O descarte não é o fim, é só uma mudança de contexto. Aquilo que foi jogado fora ainda tem peso, história e matéria, mas parou de ser visto.

Quando isso volta como escultura, não é um reaproveitamento funcional. O material passa a ocupar outro lugar, deixa de ser invisível e passa a exigir presença. Eu não começo do zero; parto de algo que já teve um percurso, que foi usado e que, mesmo assim, continua ativo.

Esses materiais me fizeram rever o que eu entendia por força. Na prática, uma coisa não existe sem a outra.

O vidro é rígido, mas vulnerável ao impacto. O algodão ganha função estrutural quando é tensionado e incorporado à peça. E o cimento, que a gente associa à solidez, também é sujeito a fissuras, retrações e movimentos.

Com eles, eu entendi que força não tem a ver com ser duro, e fragilidade não é ser fraco. São estados da matéria que se reorganizam o tempo todo, dependendo de como eu conduzo o trabalho.

O corpo resolve antes de nomear. Ele não trabalha com conceito, mas com ajuste. É ele que sente o peso, encontra o equilíbrio e insiste até a forma se sustentar, ou cede quando algo não funciona. No meu processo, as decisões acontecem no contato direto com a matéria. Estão na pressão da mão, na repetição do gesto, no tempo para algo se estabilizar. É um entendimento que não depende de explicação, mas de presença.

A mente vem depois, tentando dar forma ao que o corpo já resolveu.

Quero entender até onde a matéria sustenta sua presença e, ao mesmo tempo, convida quem olha para diferentes leituras.

O que eu procuro é esse ponto de equilíbrio: quando a peça se impõe pelo que ela é — pelo peso, pela forma, pelo espaço — mas também abre caminho para que a pessoa consiga ler e acessar o que está ali.

Busco uma forma que não seja óbvia, mas que também não seja fechada em si mesma. É um ajuste fino, porque qualquer excesso pode enfraquecer essa relação entre o objeto e quem o vê. É essa comunicação que eu sigo investigando.

Dar tempo à matéria é entender que ela tem um ritmo próprio que não dá para acelerar. Cada material responde de um jeito, ele expande, retrai, tensiona, se acomoda. Se você força esse tempo, a forma pode até acontecer, mas ela não se sustenta.

No meu processo, respeitar esse tempo faz parte da construção. É o momento em que a matéria se estabiliza e mostra até onde pode ir. Muitas decisões só aparecem depois disso. Não é espera, é ajuste. Dar tempo à matéria é trabalhar com ela, e não contra ela.

Me intriga como está difícil sustentar presença. Hoje as relações acontecem sem que as pessoas realmente se olhem. Falta o olho no olho, falta a escuta, falta a palavra dita com peso. Sinto uma pressa constante e uma superficialidade nas trocas, mas também uma dificuldade de olhar para si com atenção. Sem esse movimento interno, a relação com o outro acaba ficando vazia.

Ser autodidata define como eu trabalho. Eu nunca parti de um modelo pronto, então tudo se constrói na base de testes. É nesse campo que as coisas acontecem de verdade.

O erro, para mim, não é uma falha. Ele é uma resposta do material. Muitas vezes, é ali que algo se revela, quando a forma desvia, quando o material reage de um jeito que eu não esperava ou quando um limite aparece.

Esse processo exige critério, porque nem tudo o que surge se sustenta. É preciso insistir, refazer, entender o que fica e o que precisa ser abandonado. A descoberta não vem pronta; ela se constrói nesse movimento de testar e ajustar o tempo todo.

É ver um trabalho muito íntimo ganhar outra escala. Resonance nasce de uma memória pessoal, de um som que ficou no corpo, e agora ele passa a circular em um contexto maior, em diálogo com outros olhares.

Isso desloca a obra. Ela deixa de existir só dentro do meu percurso e começa a operar em um campo novo, com outras leituras. Para mim, isso tem muito valor, não só pelo reconhecimento, mas pela chance de troca. O mais importante é que, mesmo com essa expansão, a origem do trabalho continua sendo a mesma.

O que ainda falta entender no artesanato contemporâneo é que ele não está preso a uma função ou à tradição. Ainda existe uma expectativa de que o fazer manual precise servir para algo, ter uma utilidade ou mostrar um domínio técnico.

Eu vejo o trabalho como linguagem. A técnica não é o fim, é o caminho para construir a forma e o pensamento. Também existe essa ideia de que o artesanato é algo controlado, mas no atelier o processo é aberto. Tem teste, erro e o material reagindo o tempo todo. Essa liberdade do fazer ainda não é totalmente reconhecida.

Eu cresci em um lugar onde o que era dito tinha peso. Não precisava de contrato, a palavra sustentava o acordo.

Frida Kahlo e Maria Martins.

Escolheria a Frida pela coragem de colocar a própria vida na obra sem filtro. O que ela pintava não era representação, era a vivência do corpo e do desejo. É uma entrega que me toca muito.

E a Maria Martins pela força da sua escultura. Ela não tentava suavizar as formas; trazia o estranhamento e uma tensão que não pede aprovação. Seria uma conversa sobre o que a gente sente e o que a gente faz com as mãos.

Desaprendi a ideia de que o trabalho precisa seguir um percurso linear ou uma lógica de começo, meio e fim. No atelier, entendi que o tempo da criação é diferente e que a pressa por um resultado final pode cegar o olhar para o que a matéria está entregando no agora.

Precisei deixar de lado qualquer conceito engessado sobre o que é certo ou errado na técnica. O meu aprendizado é direto, vem da insistência e do corpo no espaço. Hoje, o que eu busco é essa liberdade de deixar a obra ditar o seu próprio caminho, sem tentar controlar cada etapa do processo.

O olhar de quem escuta. É o que entrega se a pessoa está ali de verdade ou se já partiu para outro lugar.

In the Mood for Love, do Wong Kar-wai. Pela beleza do silêncio e pela construção do que não é dito. O filme tem uma pulsação e uma cor que dão peso para cada gesto, para cada espera. É uma obra onde o que não acontece é tão presente quanto o que se vê.

A Poética do Espaço, de Gaston Bachelard. É um livro que muda a percepção sobre o lugar onde a gente vive. Bachelard mostra que o espaço não é um vazio, mas algo que guarda a nossa memória e os nossos sonhos. Como escultora, essa leitura é fundamental porque me lembra que, ao dar forma à matéria, estou construindo um lugar para o imaginário. Ele faz a gente perceber que a imensidão do mundo também cabe na intimidade de um objeto pequeno.

Quase todo mundo na minha família nasceu no dia 11 — meus pais e minhas três irmãs. Eu fui a única que nasceu no dia 20, que para mim é a soma de 1+1=2 

Sem perceber, criei essa mania de somar números: placas, endereços, qualquer sequência. E, por alguma coincidência estranha, os lugares por onde eu passo acabam dando 11.

Acho que é a única coisa exata na minha vida. No resto, sou totalmente de humanas.

Maria Martins. Gosto de como ela não tenta suavizar a escultura. O corpo e o desejo aparecem de um jeito direto, às vezes desconfortável, sem aquela preocupação de deixar a forma bonitinha ou resolvida. O trabalho dela não precisa de explicação, ele se sustenta. Tem tensão, tem força e não pede aprovação. É uma escultura viva, que não está ali para agradar ninguém.

O design muda o que as pessoas fazem. A política, muitas vezes, fica no que promete. O design atua no uso, no gesto e no corpo. Ele não precisa convencer ninguém; ele se instala e pronto. Enquanto a política tenta mudar o pensamento através do discurso, o design muda a nossa experiência direta de estar no mundo.